Struttura pop e fondamenta rock: Gioie & Paranoie è un album dagli arrangiamenti agili, adatti ad assecondare atmosfere da svago. Il Kif, band barese sulla scena da oltre un decennio, sprigiona in sala d’incisione tutta l’esperienza maturata in una caterva di concerti. E così il loro terzo lavoro sembra scaturire da registrazioni in presa diretta, orientate a limitare all’essenziale gli interventi in fase di editing e missaggio.
Matrimonio, figli, una gravissima malattia, le elezioni presidenziali, guerre in ogni angolo del Pianeta. Parole ormai comuni per molti, dal valore pregnante per altri. Soprattutto se ci si deve misurare con un grave tumore osseo che tenta di strapparti alla vita. Soprattutto se sono i tuoi connazionali a morire come mosche per mano di una politica cieca. Per un musicista queste sono fonti da cui trarre notevole ispirazione.
Come spesso accade, le opere del passato provvedono a solleticare l’ispirazione. In questo caso è uno scritto del celebre umanista Erasmo da Rotterdam ad influenzare gli Engineers. Al saggio “Elogio della Pazzia”, detto anche “In elogio di Moro” (che in inglese diventa “In Praise of More”), si deve il titolo del loro ultimo album. L’impresa sarà pure pretenziosa ma almeno c’è un’alternativa alle canzonette.Continua su LSDmagazine.
Il nome è rubato all’amaro calmante della tosse presente negli sciroppi di cui, per loro stessa ammissione, preferiscono “quelli al gusto di amarena o cioccolato”.
Il mensile Mucchio Selvaggio ha pensato bene di pubblicare una collana dedicata ai grandi album del rock italiano. La sesta uscita è una monografia su "Le radici e le ali", storico album dei Gang.
Scelta di campo per gli Unmask, gruppo di belle speranze nato a Roma nel 2006.
In una periferia inghiottita dal cielo nero pece, ringhia, sbava e sembra proprio di avercelo alle calcagna il veloce Bulldog che apre l’album Tapso II. E’ la sensazione che si ottiene ascoltando il brano di apertura con la copertina del disco sotto gli occhi.
Nei romanzi on the road, di solito, si raccontano le storie che narrano il viaggio di andata. Le fughe sono sempre avvincenti, nascondono possibilità dietro ogni evento e gridano vendetta ai luoghi abbandonati.
Elvis Presley è il cantante che ha cambiato le sorti della musica e della cultura popolare. Per celebrarne il mito, a 75 anni dalla nascita, il prossimo 9 novembre verrà pubblicato Viva Elvis – The Album, insolito compendio sulla vita artistica del Re. Il disco racchiude 12 classici, sottoposti a restyling, in cui la voce di Elvis emerge inalterata e sviluppa l’idea alla base dello show intitolato Viva Elvis - a tribute to the life and music of Elvis Presley, stabilmente tenuto a Las Vegas dal Cirque du Soleil. Uno spettacolo imponente ma incapace di estinguere un dubbio sorto a Erich Van Tourneau: “come suonerebbero le canzoni di Elvis se le interpretasse oggi per la prima volta?".
“La gente mi chiede che genere di musica fosse e io rispondo, qualcosa che sta in mezzo a Billie Holiday e Led Zeppelin”. (Mick Grondahl)
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Giovanissimi, belli, puliti e buoni. Francesco Fabris (voce, chitarra e programmi), Pietro Secco (basso, synth), Alberto Paolini (batteria, groovebox) e Daniele Fabris (synths, sequencers) sono titolari del marchio Phinx, storpiatura del termine inglese sphinx, cioè sfinge. Provengono dal Veneto ed esordiscono con Login, scrigno destinato a recepire frustrazione ed inquietudine giovanile.
Erano immagini destinate ad accompagnare New York, New York brano incluso nel best seller Gold, di Ryan Adams.
Per Jordan Officer è giunto il momento del salto nel buio. Dopo un decennio passato ad accompagnare la cantante Susie Arioli, nella Susie Arioli Band, il musicista canadese debutta con un disco che include dodici perle chitarristiche.
Rock e impegno sociale rinnovano un nobile sodalizio. Da propositi musical-filantropici nasce La stagione della beneficenza, un gruppo, o meglio un progetto, che mira a coinvolgere sensibili fruitori su problemi tangibili come l’inquinamento del pianeta e la cura del cancro.
Musica africana e brasiliana, il flamenco e il rock. Difficile crederlo ma queste tessere compongono lo stesso puzzle. Incastrate tra loro compongono What it means to be left-handed, sesto album pubblicato dai Mice Parade per la Fat Cat Records, indie-label britannica.
Primi anni ’70. Il movimento “flower power” celebra i suoi ideali non-violenti e l’arte si rinnova a colpi di rivoluzione culturale. La musica ne è parte trainante e si trasforma da mero intrattenimento a ragion d’essere di una generazione.
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Un vulcano in piena eruzione questo Gocce d’Assenzio, sputa fuoco dall’inferno che ribolle dentro. Il sound sprigionato dagli Artemisia è il risultato di un’equazione che coniuga ossessioni ritmiche hard rock e svisate progressive. Un orientamento rivolto ad un genere in voga negli anni ’70 che non è mai mero rimaneggiamento.
L’album di debutto dei Mano-Vega riporta un titolo emblematico: “Nel Mezzo”. Chiarificatore per certi versi, ed ermetico per molti altri, il titolo dà l’impressione di assurgere a manifesto della filosofia dei musicisti laziali. Due sole parole per esporre lo specchio fedele di una volontaria indeterminatezza. Ascoltando “Nel Mezzo” il fruitore del disco fluttua senza appigli contrastato tra correnti divergenti.
“Il mio italiano fa schifo!” si schermisce Eddie Vedder. Ma l'eccitazione suscitata nel pubblico, con poche frasi pronunciate in lingua locale, fa pensare ad una troppo severa autovalutazione. Forse è merito del nostro miglior corroborante rosso rubino, due le bottiglie di vino vuotate tra un brano e l'altro, se il lessico italiano è diventato un po' più accessibile al cantante dei Pearl Jam.Partito sin dal primo pomeriggio, il tourbillon di gruppi incassa un poco edificante successo. Il sole ancora alto, la temperatura oltre i 30 gradi e il disinteresse di chi ha comprato il biglietto solo per vedere i propri beniamini, rendono anonimi i set degli italianissimi Plastic Made Sofa, dei tanto bravi quanto fuori contesto Gomez (rimpiazzo dei Wolfmother) e dei Gossip che hanno la fortuna di avere in Beth Ditto un autentico animale da palcoscenico (vittima di una spaventosa caduta senza apparenti postumi). Subito dopo lo show della corpulenta soul woman un repentino cambio di temperatura lascia presagire il peggio. Modeste raffiche di vento misto a pioggia costringono la security a sgomberare il pit (spazio riservato ai primi arrivati), ma l’allarme rientra - come pure i fans nel pit - e i redivivi Skunk Anansie occupano la scena con Skin protagonista di un improvvisato crowd surfing.
Dopo tanto rumore, la buona musica di Ben Harper and Relentless7 è preludio al vero evento, anticipato dal duetto con Vedder su una riabilitata Under Pressure.
Ed ecco l’inizio della messa. Sul main stage della nota rassegna musicale si celebra il culto del rock'n'roll. Sciamàno per i presenti, leader di una band in stato di grazia e destinatario di un lascito che attinge alla tradizione, Eddie Vedder cattura, per poi restituirlo amplificato, il sincero affetto di un pubblico in visibilio. La sola vista dei musicisti sul palco libera l’adrenalina di chi ha varcato i cancelli del Parco San Giuliano già dalle dieci del mattino (in maggioranza ragazzi in fila da molte ore prima dell’apertura).
Given To Fly trancia l’impaziente attesa, la splendida Corduroy, con cenni di Interstellar Overdrive dei Pink Floyd, collauda il pogo e l'anti-war World Wide Suicide ridesta i corpi rattrappiti della fiumana di gente pressata sotto al palco. Vent’anni insieme, e non è un iperbole quando si dice che l’affiatamento ha migliorato certi aspetti della band. McCready è semplicemente perfetto: si carica addosso il peso di ogni intricatissimo assolo, salta come Pete Townshend, imperversa, chitarra dietro la nuca, come fosse Hendrix e regala decine di agognati plettri alla folla. Impeccabili i due fondatori del gruppo: Gossard, alla chitarra ritmica, e Ament, al basso. Puntuali Cameron, alla batteria, e “Boom” Gaspar, membro aggiunto, alle tastiere. Vedder è più rilassato e comunicativo ma non meno arrendevole che in passato. Impone i ritmi aggressivi delle origini che soverchiano quelli recenti e più controllati. Gli otto brani estratti da Ten (disco del 1991), o comunque a quell’album direttamente riconducibili - come le outtake di lusso Breath e State Of Love And Trust - doppiano per numero quelli estrapolati da Backspacer (2009).
Momenti di profonda riflessione frenano le impetuose interpretazioni dei musicisti e digradano la tensione in platea. Succede con la nostalgica Elderly Woman Behind The Counter In A Small Town e con la disperata Black (uno dei tanti colori dell’amore, dice Vedder). Ripartenze brucianti lasciano senza fiato. Succede con la rabbiosa Even Flow, quasi sempre presente in scaletta, e soprattutto con la provocatoria Do To Evolution. Il suo contagioso beat incita a dimenarsi, il testo a rinnegare credo distruttore e mito della prevaricazione. Per Red Mosquito la band si avvale dell’ hawaiian lap steel guitar elettrica di Ben Harper per un sound pervaso di Delta blues. Ma non sono solo i fantasmi del Mississippi ad aleggiare nel buio di questa straordinaria notte nella Serenissima: Arms Aloft in Aberdeen rende omaggio all’ultima visione musicale di Joe Strummer. Un Vedder ebbro, di vino, di passione, stecca l’inno per eccellenza; un lampo di smarrimento segna il suo sguardo desideroso di aiuto, ma non è un problema perché ad assisterlo su Alive ci sono migliaia di voci pronte a cantare i versi dimenticati.
Rockin’ In The Free World si tramuta in un sing-along che richiama sul palco Harper, i suoi Relentless7 e Rob Machado (surfista australiano amico di Eddie) per un finale mozzafiato.
L’ultimo saluto è un atto d’amore per l’Italia. Vedder dice di aver idealizzato, da ragazzo, il nostro Paese, di averlo sempre visto come un posto irraggiungibile come la luna. Ma la conclusiva acclamazione gli offre la certezza di aver raggiunto, oggi, quel posto e di poterne godere di un piccolo pezzo.
Atmosfere claustrofobiche e testi che esprimono malessere. Il binomio è abusato nel mondo della musica ma l’accostamento fatto dal gruppo degli ideaOstile presenta insolite soluzioni. A cominciare da quelle sonore. Lo stereotipo della band dipendente dal chitarrista, o dal tastierista, viene annullato in favore dell’anomalo espediente che tollera ben due bassi...
Valenti musicisti si uniscono sotto un nome capace di ricondurre all’idea dei molti generi proposti nel solco del progressive. I Plurima Mundi, cinque strumentisti e una cantante provenienti da estrazioni musicali differenti, rinvigoriscono gli stilemi del prog italiano con competenza, passione e scampoli di originalità.
London Calling: Live In Hyde Park, resoconto filmato dell’ultimo tour mondiale di Bruce Springsteen, sarà in vendita dal 29 giugno. Il DVD, disponibile anche nel formato Blu-Ray, cattura il concerto inglese tenuto dalla E Street Band il 28 giugno dell’anno scorso.
Nove brani strumentali che reclamano attenzione e ripagano con potenza espressiva. Girolamo De Simone propone Ai Piedi Del Monte, mezz’ora di performance pianistica dalle traiettorie tradizionali, a tratti operistiche, rinnovate con moderno acume.
Pubblicato da Fazi Editore esce in questi giorni Standing Army un film, con acclusa monografia, che affronta “un viaggio alla scoperta dell’universo delle basi militari americane”. Un’ora e quindici per documentare una tra le realtà più potenti e meno esplorate ai nostri giorni.
Temperamento ed espressività convivono in un’artista dal piglio alla Angela Davis e dal talento alla Billie Holiday. Madre di tre figli avuti da altrettanti compagni, mai sposata, umanista e non femminista (come ha dichiarato al quotidiano britannico “Guardian”), Erica Abi Wright, 39 anni, è soprattutto una musicista immersa nel mondo delle sette note. E’ lei stessa a stilare una classifica di valori che la vede completamente catturata da “musica, fidanzato e dai miei bambini” (da Window Seat). Traghettatrice di un'epoca che pareva persa, dopo i fasti delle grandi interpreti di Stax e Motown Records, è lei a rinnovare un sound troppo spesso naufragato nel ciarpame della musica nera dal download tanto compulsivo quanto trascurabile. Out My Mind, Just In Time, divisa in tre tempi, è la summa dell’intero lavoro. L'introduzione, per sola voce e pianoforte, rimanda a un’atmosfera da piano-bar tutta whisky, sigarette e pene d'amor perduto. A sussurrare nel microfono, una donna affranta rievoca nostalgica la totale dedizione per qualcuno (o qualcosa). Una condiscendenza che nella seconda parte del brano, con l'arrangiamento carico di rintocchi indiziari, si rivela in tutta la sua asimmetricità. Jazzy e liberatoria, la terza parte lascia presumere in un riscatto. Posto per ultimo, come a voler passare inosservato ai più distratti, e a risultare premio esaltante ai più attenti, l’intero componimento svetta per sincerità e potenza evocativa. Badu si immerge in un soffice canto, morso dal tormento, per interpretare tutta la sua prostrazione: dieci minuti in cui un sound braccato dal passato ripara nel presente. Sembrerebbe, a tutti gli effetti, amore cieco per qualcuno (“ho mentito, ho pianto e odiato per te … sono pazza di te”) ma potrebbe anche apparire disincanto per qualcosa. Il testo è stato ispirato dal poema “What I Will” di Suheir Hammad, palestinese naturalizzata statunitense, nota per i suoi racconti sul Medio Oriente. Badu canta di “resurrezione 6 metri sopra le ceneri” e di “poter volare” mentre saluta con un “benvenuto nuovo mondo” che lascia inevaso un quesito: confessa salvezza individuale o affrancazione di un Paese prigioniero del ricatto? Del resto l’Amerykah citata nel titolo lascia pensare ad un ibrido tra l’America fisica, quella reale funestata da inganni imposti per legge, ed un Paese astratto, idealizzato, reso personale dal confluire del proprio nome in quello della nazione (AmErykah). 
NEW AMERYKAH Part Two: Return Of The Ankh è un calice colmo di tradizione e innovazione capace di dissetare sia chi è cresciuto consumando i vinili di Temptation e Stevie Wonder, sia chi ha apprezzato la cosiddetta corrente “nu soul” di cui proprio Erykah, con il debut album Baduizm (1997), è stata antesignana.
High Violet dei National è un album in balia di onde dai calibri diversi: quelle che lievi spingono verso la riva e quelle violente che trascinano verso il largo. Tra componimenti delicati e struggenti, e graffi elettrici, la band americana regala al suo pubblico questo nuovo lavoro.
Sul sito ufficiale di Ben Harper è visibile, in streaming, un clip risalente al 6 dicembre scorso a Washington. Harper è alle prese con My Father’s House durante la cerimonia di assegnazione del Kennedy Center Honors a Springsteen (per aver contribuito allo sviluppo della cultura americana).
Se poi si vuol tramutare la minuscola buona azione in una modesta buona azione, con qualche altro spicciolo, si può avere ancora buona musica.
Il preponderante suono del synth di Alan Wilder si mescola alla timbrica della Gretsh di Gore in un sound che esaspera la drammaticità del pezzo. La voce di Gahan cade nella fossa della disperazione, la musica ne ricopre la tomba. La figura mitologica dal grande becco, ereditata dal video ufficiale, questa volta ha le fattezze femminili. Marcia, imponente e minacciosa, sugli schermi alle spalle di Dave e come una sorta di Mòloc ne sollecita il martirio davanti alla folla. Il singer, obbedirà, ciondolante su quel palco che sarà il suo altare sacrificale per i 14 lunghi mesi del tour.
La Fiat pretende, ordina con il ricatto, più di quanto sia lecito chiedere. Management dell'impresa e Governo se ne infischiano delle richieste di lavoratori all'addiaccio da dieci giorni: non importa se per ognuno di loro "nella testa pesa la maledizione di trenta bollette da pagare" (da Unemployable dei Pearl Jam, 2006).
Gli operai di oggi lottano per tenersi il lavoro (qualunque esso sia), quelli di ieri lottavano per un trattamento più equo.
Non è trascorso molto tempo da quando il proletariato invocava, unito e a gran voce, condizioni di lavoro migliori e un orario sopportabile all'essere umano.
Sull'argomento si sono consumate migliaia di canzoni. Ma su tutte, senza andare troppo a ritroso, me ne vengono in mente alcune del mainstream rock americano. E anche un bel film italiano degli anni '70.
Sembrerà anacronistico menzionare la sottomissione a cui è costretto il protagonista della "Maggie's Farm" (da Bringing It All Back Home, 1965) di Bob Dylan, ma quei versi, pubblicati quasi mezzo secolo fa, sono ancora dannatamente attuali.
"Non lavorerò più nella fattoria di Maggie. Ebbene mi sveglio al mattino, incrocio le mani e prego che piova [...] E' una vergogna come mi fa scrostare il pavimento [...] Non lavorerò più per il fratello di Maggie, lui ti dà cinque cents oppure dieci, ti chiede con una smorfia se ti stai divertendo e poi ti multa ogni volta che sbatti la porta. Non lavorerò più per la madre di Maggie, lei parla, a tutti i domestici, dell'uomo, di dio e della legge [...] Non lavorerò più nella fattoria di Maggie, ho cercato di fare del mio meglio per essere proprio quello che sono, ma tutti vogliono che sia proprio come loro. Ti dicono canta mentre ti ammazzi e io mi sono seccato. Non lavorerò più nella fattoria di Maggie".
Potrebbe essere lo sfogo di uno dei tanti immigrati schiavizzati nei campi del sud, o nei cantieri del nord, e resi celebri dalla battaglia di Rosarno.
Non sempre, però, è possibile ribellarsi alle condizioni di lavoro. Sbattere la porta per andare altrove resta una chimera recintata dai cancelli di una fabbrica. In "Factory" (da Darkness On The Edge Of Town, 1978), di Bruce Springsteen, il fischio della sirena "ha il suono del pianto" e scandisce l'inizio e la fine di un impiego che "ruba l'udito".
In tutto il testo traspare una malcelata sopportazione per un lavoro inevitabile. L'idea di riscatto sociale, in tempi di crisi, si frantuma davanti a calcoli che strillano milioni di disoccupati (due, milioni, in Italia). L'unica considerazione valida, nell'asfittica routine del quotidiano, è che "la fabbrica dà da vivere" a quell'operaio. In "una vita di solo lavoro" ricordare "che qualcuno stanotte si farà male", resta un dettaglio da sottovalutare. ghggggggggggggggggggggggggggggggg
In "Millworker" (da Flag, 1979) James Taylor cambia l'angolo di visuale e con freddezza narra il compito di una madre vedova. Suo marito, "un uomo cattivo del Massachusetts, morto a causa del troppo whiskey", "ha lasciato queste tre bocche da sfamare". L'impiego della donna in fabbrica è "terribilmente noioso", ripetitivo fino all'alienazione: "siamo io e la mia macchina, per il resto della mattinata, il resto del pomeriggio e il resto della mia vita". Al tunnel dell'oblio si sottrae solo la certezza che la sua "vita è stata sprecata, e sono stata pazza a lasciare che questo fabbricante usasse il mio corpo come un attrezzo. Filerò a casa ogni sera guardando le mie mani e giurando il mio rammarico per una giovane ragazza che dovrebbe avere una condizione migliore".
Monopoli industriali che per decenni hanno goduto grazie ai soldi dei contribuenti, (leggasi "incentivi dello Stato", sic!), smontano la loro storia, rinnegano il passato e vanno all'estero dove la mano d'opera costa quattro volte meno che in Italia. La chiamano "delocalizzazione" ed è l'arguto neologismo che maschera il detto "prendi i soldi e scappa". Non c'è più lavoro, insomma, non dove c'è sempre stato, anche se il lavoro si può interpretare in altri modi. Le fabbriche, e le sue maestranze, non sono cave da svuotare per rubarne il didentro.
"Vedo colonne di fumo salire fino al paradiso mentre, sulla terra, sciogliamo questo portentoso minerale ferroso". L’ipnotica "Bethlehem Steel" (Copperopolis, 1996) dei Grant Lee Buffalo racconta l'epopea di generazioni vissute grazie al lovoro nei giacimenti minerari.
Soprannominata “the Steel City” (la città dell’acciaio) Bethlehem è, fino alla metà degli anni '90, il polo siderurgico più importante della Pennsylvania ed un incontrastato fiore all’occhiello per l’economia americana. La stella di acciaio citata nel pezzo è realmente esistita ed è stata eretta su un punto alto della città, visibile per chilometri. Una guida per la gente, un simulacro dell’evangelica cometa di Betlemme che conduce alle fabbriche del metallo e che lascia credere (invano) che mai ci sarà una crisi economica a farle chiudere. Generazioni hanno lavorato nelle industrie durante la seconda guerra mondiale fino a ritrovarsi schegge di metallo nelle mani, sorta di souvenir degli anni del boom.
Scritto, recitato e realizzato a meraviglia, "La classe operaia va in paradiso" (Elio Petri, 1971) mostra lo strazio dell'operaio nella Milano, ancora nebbiosa, funestata dalla lotta di classe. A Gian Maria Volontè, straordinario interprete dell'operaio frustrato, il compito di rendere chiaro il susseguirsi dei misfatti propri nella catena di montaggio.
Molti i punti in comune con i componimenti già citati. L'utilizzatore e l'utensile sono un tutt'uno di carne e ferro, di sudore e fluido refrigerante.
L'unica preoccupazione è la produzione ad oltranza. La fiacca è solo uno snervante fastidio fisiologico da schivare con audaci pensieri: l'idea di consumare sesso è l'antidoto da assumere per annullare la stanchezza. Un pensiero costoso che porta via l'attenzione e un dito del lavoratore. Il maturo operaio finalmente riesce a strappare un appuntamento alla compagna cui dedica sguardi morbosi: in una fabbrica dismessa giungono in una cinquecento. Sono lì, soli, parcheggiati nel capannone. L'auto, che pare di per sé inadeguata ad essere un'auto, sembra non resistere alla foga dell'intenso incontro. Nel freddo inverno milanese, dentro quell'edifcio fatiscente, non tutto fila per il verso giusto ...
La fabbrica s'è portata l'anima, un dito, il sesso. Una vita. E pare proprio non esserci quell'agognato paradiso per la classe operaia. Come dice, per voce di Springsteen, l'anonimo lavoratore di fonderia di "Youngstown" (The Ghost Of Tom Joad, 1995): "da morto non voglio incarichi in paradiso, non saprei fare quei lavori, prego che il diavolo mi prenda e mi metta agli altiforni ardenti dell'inferno".
